由音乐剧看美声唱法的发展

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1、由音乐剧看美声唱法的发展由音乐剧看美声唱法的发展 美声唱法起.L.源于16世纪末到17世纪初的意大利,是歌剧中最主要的演唱方法。在歌剧演唱中,歌手们为了不被庞大的乐队所淹没,所以他们只能通过不断扩大自己的共鸣腔体,调整自己最佳的歌唱状态来增大、增强嗓音的音量和穿透力,从而挖掘人体声音的最大潜能。此唱法在不断的发展、完善中逐渐形成了世界上最科学的歌唱方法,其几百年的发展历史也足以证明了这一点,美声唱法具有一整套科学而又系统的理论体系和技能训练体系,其音色纯正统一,明亮宽广,刚柔并进,时而给人以清新流畅之感,时而又给人以大气磅

2、礴之势,具有高度的技巧性和艺术性,是世界上许多歌唱家追求的最高声乐艺术境界。然而歌剧主要服务于上层社会,不能满足社会不同阶层、不同文化层次的兴趣和情感,于是处于杂耍和歌剧两端之间的一种被称为音乐剧的艺术形式就产生了。音乐剧唱法风格富于多样化,融和了通俗、流行、经典等演唱形式,不像歌剧唱法那样只有美声唱法,所以从它产生的那天起就受到了广泛的欢迎。音乐剧的流行使人们重新开始审视美声唱法,甚至产生了各种各样对美声唱法的误解。    一、音乐剧的发展历程印证美声唱法的魅力  传统的正歌剧派生出了喜歌剧、轻歌剧(或称小歌剧),而喜歌

3、剧、轻歌剧又派生出了音乐剧(Musicaltheater)。20世纪初中期的音乐剧是由雏形到逐步走上成熟的阶段,从1927年创作的《演艺船》,1931年创作的《引吭高歌》,1943年创作的《俄克拉荷马》,1959年创作的《音乐之声》,再到20世纪60年代创作的《长发》等作品都融入了大量的乡村音乐、爵士音乐、流行歌曲、摇滚等元素,使得这些元素变成了当代音乐剧重要的组成部分。这一时期的作品歌、舞、演并进,舞蹈的比重加大,特别重视突出音乐剧的时代特征和时尚性,其演出效果反响热烈,并与观众产生了极好的互动。如格什温兄弟《波基与贝丝

4、》用的爵士乐风格,《毛发》充满全剧的摇滚乐和《接触》中的现代舞,它们对整个音乐剧发展的影响无疑是里程碑似的,其后也还会有不少的仿效者。  但是,当这种新的艺术形式一旦被大众完全接受后,又没有新的艺术形式来与之挑战时,那么创作就会出现一个徘徊期,形式上也没有了新鲜感。我们以音乐剧中所用的摇滚、流行等音乐元素为例,当今这种音乐元素大街小巷都随处可以听到,这就会使得具有这些元素的音乐剧让观众欣赏起来不再感到那么新鲜了,因而在音乐剧历史上的这段时期往往会出现一些歌剧化的音乐剧,也就是到了20世纪80年代到90年代,音乐剧中歌剧色彩

5、的再度兴起和复苏。以上演率较高的四大音乐剧:《歌剧院的幽灵》、《猫》、《西贡小姐》、《悲惨的世界》为例,浓厚的歌剧色彩成为这一时期音乐剧的显著特点。此时的创作应该称之为新古典主义。这时期的音乐剧会从传统歌剧中吸取音乐、题材、制作等元素,丰富音乐剧的内涵,特别是加强歌剧化的演唱,具体表现特点就是:摈弃话剧加唱的表演形式,强化音乐剧的音乐性和歌唱性,像《奥利弗》、《悲惨世界》和《阿依达》,这正像哲学家所定义的事物的发展总是螺旋式上升的。人类的发展变化也是不断反复的过程,人们总会不断地反思自己,或多或少地从前人经验中获取营养,或

6、者,无意识地重复着昨天的历史。所以此时歌剧化的创作不仅提升了音乐剧的艺术性,它还融合了流行和古典,使两种不同审美的群体,在同一种艺术形式中都找到了各自的审美体验。因此,我们可以这样说,歌剧化创作思维对于音乐剧的影响就像人们对故乡的依恋,无论你身处何方,对故乡总会有一份难以割舍的眷恋,如同音乐剧在发展道路上,无论经过怎样的坎坷,总能从歌剧的博大中吸取营养,使自己变得更加坚强、更加灿烂。    二、美声唱法对于音乐剧二度创作的重要性  在一部作品中要想把人物的性格特点表达得淋漓尽致,要想把故事情节挖掘得更加感人,那声乐唱段就是

7、能让二者发挥最佳效果的有力保证。一首好的咏叹调或歌唱段落甚至能够成就一部作品,可见其分量之重。但要使这种魅力展现出来,或者说要使歌唱的灵魂具有生命力,就必须借助于正确的发声方法,以获得最佳完美的声音来诠释作品,而美声唱法就是当今世界最正确、最科学的方法。假如一名音乐剧演员歌唱的功底不过关,高音不自如、不灵活,低音不浑厚、不扎实,那么他在演绎作品时就会不自觉的有思想负担:或是担心高音上不来、或是担心低音下不去、或是哪个音演唱的不到位等等,如此一来他的身心完全被焦虑所占据,完全无暇顾及怎样去诠释作品,怎样把自己所扮演的角色淋漓

8、尽致的展现给观众,以最大化地完成作品的二度创作,实现观众通过演唱者的完美演绎而对作品产生真正意义上的共鸣。所以对美声唱法的借鉴与继承能大大丰富音乐剧的表现力,而单纯的通俗唱法虽然发声自然简单,歌声亲切随和,但缺乏戏剧的对比和张力,在表达人物内心世界和剧情的矛盾与冲突时就显得比较苍白无力。可见拥有深厚的歌

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